Vendredi 17 décembre, à 18h, dans Open Jazz sur France Musique

PALMARÈS Jazz, Blues et Soul 2021 de l'ACADÉMIE CHARLES CROS

Les Coups de Cœur Jazz, Blues et Soul, ainsi que les Grands Prix, et le Prix in honorem, décernés dans ces catégories, seront proclamés le vendredi 17 décembre à 18h, sur France Musique, dans l'émission Open Jazz d'Alex Dutilh https://www.francemusique.fr/emissions/open-jazz/academie-charles-cros-les-coups-de-coeur-jazz-et-blues-2021

10 Coups de cœur Jazz, 3 Coups de cœur Blues & Soul, parmi lequels ont été choisis un Grand Prix Jazz et un Grand Prix Blues & Soul.

Et aussi un Prix in honorem, décerné cette année au fondateur d'un label indépendant

Troisième et dernière journée de mon premier festival Djazz Nevers, où il faut tenir le rythme qui s’amplifiera encore en fin de semaine quand je serai partie vers de nouvelles aventures musicales. Mais j’aurai connu un final enthousiasmant...

CLOVER, 12h 30 à la Maison.

Chaque fois que j’entre dans une maison de la culture, je repense au premier Ministre des Affaires culturelles, André Malraux qui eut l’idée en 1961 de ces “modernes cathédrales, religion en moins”. Je découvre ainsi celle de Nevers, sur les bords de Loire, devenue La MAISON, pour le premier concert du jour. Ce sera Clover du “trio Yolk” ou Triolk, à savoir les fondateurs de ce label indé, exemplaire d’une démarche reconnue, respectée et respectable, fondé il y a près de vingt ans par le saxophoniste Alban Darche, le contrebassiste Sébastien Boisseau et le tromboniste Jean-Louis Pommier.

Ils semblent toujours avoir le même plaisir à se retrouver, à partager. Une complicité originale et exigeante dont chaque nouvel échange complète le tableau de leurs variations en série. Quelle délicatesse dans le travail de de ces amis de longue date, dynamiques entrepreneurs et porteurs de projets, leaders de formations étoffées comme le Gros Cube, LPT3, Unit...

Tous trois n’ont cessé de jouer collectif tout en s’aménageant un parcours individuel original. Avec le souci d’un véritable engagement pour faire connaître la musique à des publics variés-le trio tourne ici devant des publics scolaires pendant le festival, conscient de l’importance de la transmission. Ils ont toujours eu aussi le souci de garder le contrôle de leur travail. Cela semble anecdotique mais cela ne l’est pas tant que ça, Sébastien Boisseau lutte depuis des années contre la SNCF qui s’obstine à taxer dans les TGV les instruments VOLUMINEUX, et en particulier les contrebasses, oubliant que les clients les plus fidèles, captifs certes, mais “grands voyageurs” sont ...les musiciens.

Faire un pas de côté, réfléchir, “dire non” ce qui est aussi une façon de revenir à la vie, à l’envie. Ce nouveau trio qui les rapproche encore un peu plus, leur donne la possibilité de se retrouver au sens musical, de jouer une carte plus intime, les isolant dans une complicité heureuse. Espérons que ce trèfle leur portera chance dans ce programme logiquement intitulé Vert émeraude. “China pop”, “Le chemin vertueux”, “Snake” seront mes morceaux choisis. La douceur est une dynamique qui porte la vie, elle peut être une résistance à l’oppression politique, sociale, psychique, un combat contre le cynisme actuel.

Un jazz chambré poétique, entre improvisation impressionniste et puissance organique. La petite salle est un écrin parfait pour cette musique de l’instant, grave et doucement élégiaque parfois, quand on voit échapper ce qu’on ne reverra plus. La musique de cet ensemble parfaitement équilatéral se déguste pourvu qu’on prenne le loisir de se laisser aller à autre chose que la précipitation: une conversation triangulaire subtile sans le moindre cliché, avec cette élégance dans la persistance même de l’échange, toujours rebattu. Chacun donne la pleine mesure de son talent, dans une clarté d’articulation, de phrasé par des perfectionnistes du trait. Avec une confondante aisance, le trio navigue d’atmosphères feutrées à d’autres plus éclatantes, parfois au sein de la même composition souvent de la patte d’Alban Darche mais j’ai retenu “Où sont les oiseaux?" du contrebassiste.

Une musique qui respire, affranchie, sans éclats mais tendre, à l’image de ces compagnons de la musique.

VLADIMIR TORRES TRIO 18h30, La Maison

Une formation régionale car le festival de Roger Fontanel aime aussi encourager les groupes émergents, favoriser la création “au pays”, aurait-on dit avant, aider au développement “durable” du territoire. Sans oublier d’intégrer une dimension européenne cette année tout particulièrement, ne prenant pas le risque d’inviter des Américains par exemple, pandémie oblige.

Le contrebassiste franc-comtois d’ascendance hispanique a de l’expérience même si je le découvre aujourd’hui, construisant des compositions alertes d’ une efficacité notables Percussif en diable, expansionniste sur le clavier, tel est le pianiste Martin Schiffmann. Un peu démonstratifs et en cela, moins convaincants, malgré leur enthousiasme, ces musiciens vivent leur concert avec un engagement impressionnant (quelle fougue du batteur Tom Moretti) qui plait au public. C’est peut être cela l’essentiel après tout.

My MOTHER IS A FISH. SARAH MURCIA

21h00 THEATRE MUNICIPAL

Sarah Murcia conception et musiques

Fanny de Chaillé mise en scène/ Luc Jenny lumières/Sylvain Thévenard son

La soirée va se poursuivre avec un autre spectacle “intégral” qui rejoint, en un sens, le concert total de dimanche, l’ Oakland de Vincent Courtois et Pierre Baux.

La contrebassiste et chanteuse Sarah Murcia a travaillé obsessionnellement à son adaptation du Tandis que j’agonise de William Faulkner, magnifiquement traduit d'As I lay dying  par le grand “’inventeur” de Faulkner en France, Maurice Edgar Coindreau.  Cette oeuvre de “jeunesse” de 1930 que l'auteur qualifie de “son meilleur roman”, est “un tour de force. Je l’ai écrit en six semaines, sans changer un seul mot parce que dès le début je savais où j’allais”.

Il n’en va pas de même pour le lecteur que la densité d’une narration discontinue, qui plus est, égare facilement. Une histoire simple pourtant qui consiste à aller d’un point A à un point B mais le récit est marqué  par une chronologie volontiers bouleversée. Après Henry James et James Joyce, la question du point de vue des personnages importe. Voilà bien une machine à lire et à projeter la pensée, dit Larbaud dans sa préface de l’édition française initiale de 1934.

 Si l’intrigue est simple, la narration complique à loisir puisque l’on croise les monologues intérieurs des personnages, il y en a quinze tout de même, tous pris en charge en français et dans la langue originale par l’Américain Mark Tompkins, longiligne figure entre Beckett et Nosferatu, voix sépulcrale avec quelques inflexions décadentes à la Bowie quand il chante. 

 Pour faire vite, dans la famille Bundren, présentons les fils : Darl, le fou qui finira à l'asile -il y a  toujours un “innocent” dans les romans faulknériens,  Cash qui est en charge du cercueil, va chercher les planches, les scie et les cloue avant de se casser une jambe que l’on arrose de ciment (!) pour la consolider, la seule fille, Dewey Dell enceinte qui veut avorter. Les deux frères Darl et Jewel ( ou “joyau”, le préféré de la mère dont on finit par comprendre qu’il est le fruit d’une liaison illégitime avec … le pasteur Whitfield) veulent livrer en ville avant le départ du chariot.

Mais une fois pris dans ses filets, comme le poisson que pêche le plus jeune fils, Vardaman, qu’il confond avec sa mère, ce qui explique le titre choisi My mother is a fish ( un sous-titre possible du roman?), le lecteur, et nous ce soir,  n’en sortiront pas indemnes. Sarah Murcia n’hésite pas à se mettre en danger, car Faulkner, c’est un peu une grenade que l’on dégoupille, tant cet univers poisseux du Deep south, ces vies déglinguées de “white trash”, plutôt sordides, peuvent résister à l’interprétation-on le voit avec le cinéma américain qui s’en est emparé avec plus ou moins de bonheur. 

L’économie de la réalisation qui facilite la lisibilité de cette adaptation est remarquable. L'attention ne faiblit pas durant toute la durée du concert qui file plus vite assurément que la carriole de la famille Bundren qui emporte le corps d’Addie, la mère, jusqu’à Jefferson, où elle souhaite reposer près des siens. La route ne sera pas sans encombre, les éléments se mettant en travers du convoi, les ponts successivement détruits par de violentes crues, un des fléaux de cette partie du pays, oubliée des dieux. Il n’y a pas que l’eau sombre et violente, le feu purificateur intervient aussi dans une grange (Faulkner reprendra d’ailleurs cette idée dans une nouvelle “Barns”) mais la dépouille  échappe aux flammes.

La force de la reconstitution séduit, éclairant l’aspect organique du texte et de la musique également, en abordant les thèmes de la vie et de la mort, de la folie, du langage. De même que l’on navigue entre l’horizontalité de la route et du cercueil entre ses planches, la verticalité caractérise Anse, le père pour qui comptent “la maison, les hommes, les pieds de maïs”. Parce que si ç’avait été Son idée que l’homme soit toujours en mouvement;... est-ce qu’Il ne l’aurait pas fait allongé sur son ventre comme un serpent?”

Lors des rituelles rencontres au foyer, après le spectacle, Sarah Murcia nous confie son mode opératoire, elle a presque tout lu de cet écrivain “cérébral plus encore qu’ intellectuel”. Après plusieurs lectures attentives du roman, elle l’a découpé, créant des “boîtes à thèmes” dans lesquelles elle a glissé des phrases entières, fragments,  bouts coupés pour créer de vraies chansons avec couplets et refrains, en anglais avec les mots de l’écrivain. Tout est dans le texte, nous répétera-t-elle plusieurs fois mais il faut aller le chercher. Les deux langues, là encore, se mêlent harmonieusement mais la chanteuse a pris soin de “traduire” l’intrigue au fur et à mesure pour le public français.

La scénographie est d’une grande clarté, le nom des différents protagonistes apparaissant sur le fond d’écran lors de chaque scène. Les instrumentistes sont aussi partie prenante du décor et aident aux didascalies, indications scéniques. Olivier Py dessine à la craie sur une ardoise un schéma récapitulatif qui, une fois projeté, aide à la compréhension de la pièce.

 Ce passage que représente ce voyage est habité par le chant véhément de Sarah et sa musique volontiers furieuse : interventions aux machines de Benoît Delbecq, toujours en place,

 embardées rock ( plus encore que punk pour moi) de Gilles Coronado que rejoint au sax un fougueux Olivier Py que rien ne bouscule, même pas son vieux complice de Franck Vaillant,  impérial derrière sa batterie de cuisine où il mitonne un ragoût explosif. Le casting, on le voit est aux petits oignons, de fortes personnalités qui s’entendent comme larrons en foire et servent dignement le travail de la chef qui avouera en riant que si elle est tyrannique avec eux, ils ne lui obéissent guère.

Après un tel moment d'émotion, soulignons une fois encore les choix artistiques de cette programmation qui donnent envie (et pas seulement à moi) de reprendre avec Oakland et My mother is a fish, deux des grands romans de la littérature américaine...

Photos de MAXIM FRANCOIS.

Sophie Chambon

D’Jazz Nevers : Oakland au Théâtre municipal

Arrivée précipitée juste avant le concert de 17 heures, ce dimanche 7 novembre, deuxième jour de l’édition 2021 de ce festival bourguignon inscrit dans le paysage du jazz et des musiques actuelles depuis 35 ans.  Au programme, Oakland, un spectacle du violoncelliste Vincent Courtois et de l’acteur Pierre Baux, inspiré de Martin Eden de Jack London. Un portrait textuel, musical, sous-tendu de réminiscences, de vibrations croisées à partir de l’oeuvre de Jack London.

Mais revenons au début de l’histoire:

Jack, c’est ainsi que s’appelait le tout premier projet du violoncelliste Vincent Courtois en décembre 2018, découvert à l’AJMI d'Avignon, la musique n’étant pas encore enregistrée à la Buissonne voisine. Il allait s’étoffer et donner Love of life, réalisé avec le trio Medium, les saxophonistes Robin Fincker et Daniel Erdmann. Avec Oakland à Nevers, j’ai la sensation d’assister à un aboutissement, à la création en perpétuel devenir, la fameuse “work in progress”, et de comprendre un peu comment  fonctionne le violoncelliste, qui, parti de sa découverte tardive et éblouie de Jack London en 2016, a vécu une nouvelle aventure jusqu’à ce  concert spectacle. Certes, le trio a une part plus réduite  que dans Love of Life, où l’engagement était total, les deux saxophonistes partageant les choix et aspirations du violoncelliste, chacun écrivant des compositions selon son ressenti à la lecture de certains livres et nouvelles de London. Dans Oakland, le trio souligne le texte, scénarisé et lu par Pierre Baux, chanté et parlé par John Greaves, sans surligner, en parfaite complicité.

Martin Eden

Je dois écrire parce que c’est moi, et je sais ce qui est en moi.

En 1907, Jack London s’embarque avec Charmian sa femme pour les mers du Sud sur son bateau, la Snark, pour écrire son roman le plus intime, une autobiographie (à peine) romancée, Martin Eden. A bord, il fait bien plus que mille lignes par jour comme il se l’était promis. Ecrivain et personnage se confondent alors.

Oakland : un engagement fort

Ils sont cinq pour un spectacle-concert, qui n'est pas une illustration façon ciné-concert ou théâtre musical. Les musiciens ont préféré se concentrer sur les images musicales qui allaient naître, en véritables compositeurs et traducteurs de cette matière vivante. Mots, images, sons fusionnent lors de leurs improvisations. L'axe narratif tourne autour de scènes décisives : le musicien Vincent Courtois et le comédien Pierre Baux ont découpé à vif dans l’oeuvre, choisi leurs morceaux emblématiques qu'ils ont mis ensuite en musique et en chants. Le récitant, c’est Pierre Baux, miroir de John Greaves. Les deux langues alternent, se chevauchent, le français dans sa traduction, plus châtié que l’anglais rude du Gallois qui évoque le langage direct et cru du prolétaire Martin Eden alias Jack London. Le texte est ainsi travaillé à deux voix qui se répondent et se complètent. Pierre Baux fait ressortir le travail du texte à partir d’un ressassement des versions possibles, jamais totalement satisfaisantes. John Greaves anime cette langue crue et en fait sonner la syntaxe maladroite.

La force de ce spectacle est d’être complet : de la mise en lumière avec goût par Thomas Costberg ( j’ai encore dans l’oeil un soleil flamboyant, cercle rouge orangé sur le bleu de l’écran en fin de pièce) à la scénographie qui joue habilement de la disposition des musiciens.

Le violoncelliste assis au centre est entouré de Daniel Erdmann au ténor à sa gauche, de Robin Fincker à la clarinette à sa droite; si Erdmann se balance d’avant en arrière, Fincker tourne volontiers de droite à gauche, réglant ainsi toute une chorégraphie entre eux, Courtois regardant alternativement l’un et l’autre. A un moment, Robin Fincker qui s’est saisi du saxophone est rejoint sur la scène par Daniel Erdmann et tous deux ne font plus qu’un, entourant le violoncelliste qui joue en pizz ou à grands traits d’archet. La musique accessible en dépit d’une réelle exigence, est composée de fragments obsédants qui deviennent vite tournerie. Le son du trio conjugue élégance et rudesse, dépouillement et éclats de violence, le registre grave unifiant l’ensemble, ouvrant des passages entre les genres, d'une musique de chambre à la pop, au folk.

Chacun a sa porte d’entrée pour évoquer l’oeuvre de “celui qui a mené sa vie comme un galop furieux de quarante chevaux de front” ( Michel Le Bris). London écrivait en résonance avec ce qu’il avait vécu : marin, chasseur de phoques, boxeur, mineur, correspondant de guerre en Corée, blanchisseur, vagabond et “brûleur de dur”. Autodidacte génial, il fit son apprentissage d'écrivain en réunissant ses expériences. Ce “travailleur de la plume”, ouvrier dans l’âme a vécu le rêve américain et son envers. Une mise en abyme qui ne peut que troubler à la lecture de Martin Eden. Défaite de l’individualisme? Désenchantement romantique d’un écrivain réaliste? Deux univers irréconciliables, voilà le drame de cet écrivain sorti des bas fonds. Il ne pouvait choisir entre ses appétits, ses révoltes, ses ambitions et désirs.

Comme il faut avoir un angle d’attaque, c’est ce cri de révolte du prolétaire contre l’esclavage qu’imposent le travail avec les machines dans des conditions surhumaines que cette histoire nous conte. Plus que l’intrigue sentimentale, l’attraction irrésistible, poétique, sensuelle et charnelle pour une jeune fille de la haute “une fleur d’or pâle sur une tige fragile” que Martin Eden veut conquérir. Pour y réussir, il décide de s’instruire et plonger dans la culture avec l'avidité et la rage qu'il met dans tout ce qu'il entreprend.

Vincent Courtois expliquera, lors des Rencontres animées par Xavier Prévost après le spectacle, au foyer du théâtre que le fil rouge de cette écriture est la référence au poète décadent anglais du XIXème, pour le moins obscur aujourd’hui, Algernon Swinburne : dès le premier chapitre, avant même de rencontrer Ruth, Martin Eden découvre un livre de Swinburne qui déclenche en lui le désir passionné de s'instruire et de lire. Bien plus tard, alors qu’il est devenu célèbre, ses manuscrits ayant enfin été acceptés, lors d’une traversée sur la Mariposa, où il est invité d’honneur, désabusé, il songe encore à Swinburne. La réussite a mis en péril son identité même. Comment survivre à la gloire sans se perdre soi même? En se remémorant le poème de Swinburne qui mit fin à ses jours, il décide de ne plus résister à l’appel de la mer.

La mort ne faisait pas souffrir. C’était la vie cette atroce sensation d’étouffement: c’était le dernier coup que devait lui porter la vie….Et tout au fond, il sombra dans la nuit. Ça il le sut encore. Et au moment même où il le sut, il cessa de le savoir.

Lors de cette rencontre où intervint finement Noël Mauberret, président de l’association des amis de Jack London, Roger Fontanel, le directeur du festival Djazz Nevers justifie la raison d'être d'un tel moment : le spectacle doit être total, les festivals ne plus rester cloisonnés à la seule musique. Quoi de plus merveilleux en effet que cette transversalité artistique qui donne envie de se replonger dans un livre après un concert enthousiasmant ? Il est aussi question de fidélité dans l’engagement et le travail de Vincent Courtois avec son trio depuis douze ans, avec Pierre Baux (ils ont déjà mis leurs forces en commun pour Tosca, adapté à leur manière Raymond Carver). Mais aussi de la fidélité de Nevers et de son festival aux projets que Vincent Courtois nomme “répertoire”. Quand on aime un artiste, on le suit. 

Oakland enfin est bien plus qu’un décor, car si London y revient toujours, Vincent Courtois, dès l’émergence de l’idée à Avignon eut envie de pousser plus loin, de partir sur les traces californiennes de l'écrivain, d’explorer son port d'ancrage et de jouer un spectacle complet avec des textes lus et interprétés par des comédiens amis, et pourquoi pas, des inserts de photos et de montages de films de London lui même. Il a réalisé son envie et vécu son rêve…

Merci à MAXIM FRANCOIS pour les photos!

Sophie Chambon

Quand Barney Wilen disparut le 25 mai 1996, le quotidien Libération lui consacra sa « une » sous le titre « La dernière note » illustrée d’un dessin issu de la BD de Loustal et Paringaux « Barney et la Note Bleue ».  Judicieux choix.

Publiée en 1986 chez Casterman, la bande dessinée marqua le retour sous les projecteurs d’un artiste déjà mythique, musicien prodige, partenaire de Miles Davis dans la bande originale d’Ascenseur pour l’échafaud, compositeur de musiques de films noirs, féru de free jazz, parti explorer l’Afrique...

Ce come-back tient pour beaucoup au hasard. Le jazzman de 49 ans découvre dans un kiosque de presse une BD dont il est le héros malgré lui. Dans cet épisode, publié par le mensuel "A Suivre" des éditions Casterman, l’auteur fait décéder le saxophoniste. Interloqué, Barney entend prouver son existence, et pour ce faire il utilise une méthode pour le moins originale : avec ses comparses, Philippe Petit (guitare) et Yves Torchinsky (contrebasse), l’artiste vient jouer sous les fenêtres du magazine de Philippe Paringaux, aux Champs-Elysées.
L’aubade improvisée – et captée au magnétophone (un TCD5M métal Sony Dolby avec un couple de micros électret) par un producteur de radio ami mis au parfum (Xavier Prévost) ne reste pas sans écho. Le contact établi entre le scénariste et son héros bien vivant va donner naissance à deux « bébés », un éditorial (la BD avec le dessinateur Jacques de Loustal) et un phonographique (un disque).

Enregistré en novembre et décembre 1986, « La Note Bleue » reçoit un accueil enthousiaste – plus de 60.000 ventes, le meilleur score du label indépendant IDA Records – et va décrocher en 1987 le Grand Prix international du disque de jazz de l’Académie Charles Cros. Barney Wilen a réuni pour l’occasion, outre le guitariste Philippe Petit, son complice depuis 1984, le pianiste Alain Jean-Marie, le bassiste Riccardo del Fra et le batteur Sangoma Everett. « C’est un disque destiné à être écouté en même temps, comme un clin d’œil, une référence, à l’époque, à la B.D » confiait-il alors à Libération.

Sur un répertoire connu de ses fidèles admirateurs (No Problem, Round about Midnight), des compositions personnelles (dont Portrait de l’artiste avec saxophone) et l’un de ses thèmes préférés, (Bésame Mucho), le saxophoniste (ténor, soprano) exprime un lyrisme propre à séduire un public bien au-delà des fans de jazz.

Un jazzman culte au Japon

Barney  est bien revenu. Six mois plus tard, en juin 1987, Philippe Vincent, le producteur de « La Note Bleue », rassemble en studio le saxophoniste avec un trio (Michel Graillier au piano avec la même rythmique Del Fra - Everett). Cette fois, la culture française est à l’honneur comme l’indique le titre de l’album (« French Ballads » - IDA Records), avec des oeuvres de Trenet (L’âme des poètes), Prévert-Kosma (Les feuilles mortes), Salvador (Syracuse), Louiguy-Piaf (La vie en rose), Michel Legrand (Un été 42, Les Moulins de mon cœur, What are you doing the rest of your life) … Un répertoire qui assurera à Barney une formidable cote d’amour, notamment au Japon où le musicien fait l’objet d’un culte toujours vivace aujourd’hui.

« La Note Bleue » aura donc joué un rôle crucial dans la carrière du saxophoniste (1937-1996) né à Nice d’un père américain et d’une mère provençale. Cette double aventure ‑ éditoriale et discographique – va pouvoir bénéficier d’un nouveau public, et notamment anglo-saxon, avec la sortie par le label espagnol Elemental lors du Disquaire Day le 17 juillet prochain (la manifestation se tient cette année sur deux dates, le 12 juin et le 17 juillet), d’un coffret de luxe en édition limitée (2000 exemplaires numérotés).

Sont ainsi proposés la version originale du disque remastérisé avec un titre inédit (All Blues de Miles Davis) dans un vinyle de 180 grammes, un livret de 40 pages (français et anglais) avec témoignages (musiciens, journalistes…), photos de Guy Le Querrec lors de la séance, la BD éditée en anglais et un CD inédit d’un concert de 1989 enregistré au Petit Opportun pour l’émission Jazz Club, produite par Claude Carrière et Jean Delmas et diffusée sur France Musique le 27 septembre 1989 (avec Jacky Terrasson (piano), Gilles Naturel (contrebasse) et Peter Gritz (batterie).

Jean-Louis Lemarchand.

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*Barney Wilen. La Note Bleue. Coffret Elemental Music-INA-Casterman. Sortie le 17 juillet.
Présentation sur le site www.elemental-music.com
L'édition CD reprenant l’album « La Note Bleue » et l’enregistrement au Petit Opportun y compris les commentaires de Claude Carrière en direct sortira le 3 septembre 2021.

J’ai rencontré Horace pour la première fois à la Fondation Maeght de Saint-Paul-de-Vence pour les concerts d’Albert Ayler et de Sun Ra en 1970. J’étais tout jeune photographe (accrédité par Nord Matin) et c’est lui qui est venu me parler, nous avons sympathisé immédiatement. Il était un peu plus âgé que moi, de la génération de photographes comme son copain Philippe Gras, Jacques Bisceglia, Thierry Trombert, Guy Le Querrec… Puis je l’ai revu l’année suivante au Festival international de jazz d’avant-garde au Château des comtes de Gand où il était venu avec Philippe Carles, le jeune nouveau rédacteur en chef de Jazz Magazine. Moi, j’avais une accréditation de Jazz Hot mais, là-bas, j’ai fait une interview de Han Bennink (ma première interview) et je l’ai tout naturellement proposée à Philippe Carles qui, évidemment, était très intéressé. C’est comme ça que je suis devenu collaborateur de Jazz Magazine pendant une quarantaine d’années. J’ai fréquenté de plus en plus de festivals en tant que photographe et rédacteur, où Horace était présent, des années 70 aux années 2000.

Nous sommes devenus de bons camarades, tous deux amateurs de bonne chère. Je me souviens de lui aux premières éditions des Nancy Jazz Pulsations (souvenance émue d’une dégustation de « bourru » de champagne dans une brasserie de Nancy, je buvais assez peu et ce délicieux breuvage se sirotait comme du jus de fruit. Grosse migraine pour moi le lendemain !). À la Fondation Maeght, j’avais alors un appareil photo Porst (?) que m’avait offert mon père et j’étais fasciné par le Pentax Spotmatic à vis d’Horace, depuis j’ai toujours acheté des Pentax à vis, d’occasion dans des magasins, et même à Jean-Jacques Pussiau qui vendait le sien, pendant ma période de photographe « argentique ». Par la suite, nous nous sommes souvent croisés aux festivals d’Antibes, d’Angoulême, de Mulhouse…

Horace était un râleur, un gueulard, il gueulait contre la société et le gouvernement (comme moi, il était très à gauche), contre les piges de Jazz Magazine qui n’étaient pas assez élevées, c’est lui qui a réussi à persuader Frank Ténot d’augmenter les piges photos, un peu plus tard je suis allé voir Ténot pour lui demander d’augmenter les piges écrites. Horace était très intransigeant sur le plan des droits d’auteur, à une époque où il convenait d’être plus « arrangeant »… Je savais qu’il  avait « couvert » Mai 68 à Paris et qu’il avait fondé un collectif de photographes, Boojum Consort, formé de sympathisants d’extrême-gauche.

Mais Horace était un faux dur, je m’en suis rendu compte quand je lui ai demandé un jour, à propos d’une de ses photos de John Coltrane où le micro est juste devant le saxophoniste, pourquoi il ne s’était pas déplacé pour éviter le micro, il m’a simplement avoué qu’il n’avait pas osé. C’était un grand fumeur de Gitanes et il ne crachait pas sur la bouteille.

Sur le tard, venu s’installer de Paris dans un bourg dans le Morvan (il était voisin de Daunik Lazro) où il s’était construit un site internet un peu « vieux style », il était fauché et était devenu plus taciturne, semblant avoir perdu confiance en lui sur le plan de sa photographie, d’autant plus qu’il était atteint d’un double glaucome…

Trop isolé dans le Morvan, épaulé par son amie Manon il émigra à Decazeville dans l’Aveyron il y a trois ou quatre ans. Je ne l’ai plus jamais revu, il m’a appelé un jour au téléphone à ma grande surprise, agréable conversation de septuagénaires… Le 16 avril, dans une salle d’attente de l’hôpital de Montauban, il a fait une chute et heurté le chambranle d’une porte, provoquant un traumatisme crânien au niveau de la tempe et un coma sans issue. La perte d’un vieux camarade est toujours source d’une grande tristesse. Chienne de vie.

Gérard Rouy (Texte et photos)